La performance autobiographique mettra à nu un mal-être poussé jusqu’à l’abnégation, engendré par le racisme, l’intimidation, l’exclusion sociale, la misogynie et la haine. Ces mots familiers aux sens dilués réfèrent à des expériences réelles qui se conjuguent de façons insoupçonnées dans l’histoire d’une vie.

« Ceci est mon histoire. L’histoire de ma mère. L’histoire de mes ancêtres. L’histoire d’une haine retournée contre soi, comme un fond de teint. Dans le teint des miroirs, je m’abîmerai. »

Marie La Vierge

Marie-Chantal Scholl, alias Marie La Vierge, est née et a grandi à Montréal de parents Martiniquais et Allemand. Elle est bachelière en philosophie et en anthropologie de l’Université de Montréal et étudie présentement la traduction à l’Université McGill. Elle fait de l’art performance depuis 2009, après y avoir découvert un espace de liberté créative, un acte thérapeutique et un moyen d’exprimer enfin ce qu’elle n’arrivait pas à dire en mots. Son amour de la danse contemporaine lui a ouvert la voie vers l’expression et le langage du corps, tandis que la communauté queer radicale montréalaise lui a offert la chance de s’exprimer. Elle écrit pour DFDanse depuis 2007 et a travaillé comme commissaire artistique pour le FIMA de 2007 à 2011, où elle a crée notamment le volet d’art performance Expériences contemporaines au sein duquel elle a produit des dizaines de performances d’artistes d’Amérique, d’Europe et d’Asie dans les rues du Village gay de Montréal.

Démarche

« Chacune de mes performances est un rituel d’accouchement. Fécondée par un dialogue silencieux avec le monde, j’accouche de ce que je sais sans le savoir… de ce qui est enfoui dans mon corps, mon intuition, mon imagination. Je suis perpétuellement à la recherche de savoirs fondamentaux et existentiels. Mes spectacles sont des solos inspirés des principes du théâtre de la cruauté d’Antonin Artaud. Ils sont des mises en danger de moi-même sur un espace scénique arrangé et cherchent à provoquer une catharsis collective « violente » en s’adressant aux profondeurs du subconscient. À l’aide de symboles et d’images, j’interpelle l’inconscient collectif, les souvenirs personnels, les émotions et les peurs. Tous mes projets comportent un message politique et féministe. »

L’art est libre. Pas de compromis. Pas de préjudices.

Mon travail est un mélange de techniques variées : l’huile, l’aquarelle, le dessin et l’art digital. Le sujet, fil conducteur de l’ensemble de mon travail, sont les émotions, de tout humain, comme un échantillonnage arbitraire. Elles sont extrêmement contradictoires. En tant que produit de cette contradiction, le message principal est que l’existence de la conscience, facteur qui nous sépare favorablement des animaux… un concept identique à celui de la liberté qui peut nous amener à la folie, à la dépravation, à la guerre et à l’extermination de l’inconnu.
René Marquez est né au Mexique, où il a étudié l’architecture et l’urbanisme. Il as aussi étudié le design graphique et les arts visuels à Barcelone, puis s’installe à Montréal, où il étudie en design graphique.

Il travaille comme designer en identité visuelle où il développe des publicités imprimées, des emballages, des illustrations, des photographies, des programmes d’identité visuelle et des sites Web; et comme artiste, en réalisant des expositions de sérigraphie, de peinture, de dessin et d’art numérique.

Visitez le : www.rene-marquez.com pour être à l’affût de ses nouvelles créations!

Originaire de Québec, plus précisément de Val-Bélair, c’est presque par hasard que Sylvia est tombée dans la musique. Adolescente, elle préférait les arts plastiques et s’adonnait au dessin. Ce n’est que quelques années plus tard, lorsque son père lui a donné sa guitare, qu’elle s’est mise à gratter de l’instrument. Aujourd’hui, c’est une Gipson d’une cinquantaine d’années que l’on peut voir à son bras. La chanteuse estime beaucoup les objets qui ont du vécu. « Il y a quelque chose de magique dans les vieilles choses, elles portent  la marque du temps. »

Au quotidien, la compositrice trouve l’inspiration auprès des femmes même si sa vie actuelle est peuplée d’hommes. Son conjoint fait d’ailleurs partie du groupe Isabeau et les chercheurs d’or. Alors qu’à ses débuts, Sylvia touchait au folk et au jazz, elle affectionne plus particulièrement le country depuis quelques années.

Sylvia est, avant tout, quelqu’un d’authentique. « J’ai voulu, à travers mes chansons, avoir un regard vrai sur les choses et en même temps aller chercher quelque chose de magique avec la scène. »

Étant encore peu connue, Sylvia trouve assez difficile de bien cerner et de bien connaître son public. « Le public, c’est quelque chose qu’il faut trouver et il faut savoir où le trouver. Je pense que les gens reçoivent bien ma musique. Je pense qu’ils sont agréablement surpris. Ils viennent, ils sont curieux. Ils ne s’attendent à rien et finalement, ils passent une belle soirée! » Ce qui est important pour elle, c’est que les gens apprécient l’histoire qu’elle raconte et qu’ils puissent se l’imaginer.

Lorsque la musicienne parle de son futur album, elle espère qu’il la représentera aussi bien qu’une photographie. Elle souhaite que toutes les pièces réunies représentent la musique ainsi que les inspirations qu’elle avait au moment de le produire; qu’il soit un morceau de sa vie en quelque sorte.

Pour Sylvia, un album n’est que le commencement d’une aventure. Dans l’industrie du disque et de la musique, la détermination est vitale. Notre artiste aime le concret, elle aime tenir un disque entre ses mains. En plus de la musique, elle veut qu’il y ait une réelle conception artistique derrière la pochette de son disque. C’est d’ailleurs une des raisons qui la pousse à mettre son matériel sur un disque plutôt que de le vendre en ligne.

Sylvia sera en première partie de Tire le coyote le 11 février prochain au Vieux Bureau de Poste de Saint-Romuald.

Pour la découvrir davantage :
www.myspace.com/sylviabeaudry
www.facebook.com/sylviamusique
www.vieuxbureaudeposte.com

Des expériences en tous genres

Lidia a d’abord touché au monde du théâtre. Elle y a obtenu un DEC en production théâtrale, elle s’intéressait notamment aux décors, aux costumes et aux accessoires. Lidia ne regrette absolument pas ses quatre années d’apprentissage qu’elle qualifie d’enrichissantes, « j’aimais ça mais pas au point de faire des sacrifices dans ma vie ». Par la suite, Lidia va voyager. Elle part donc habiter en Irlande pendant une année et en profite pour visiter l’Europe de fond en comble. À son retour à Montréal, c’est un peu par hasard qu’elle découvre l’École de Joaillerie de Montréal, enfin par hasard mais pas vraiment. Véritable artiste dans l’âme, elle aime exploiter plein de domaines durant son enfance. Entre peinture et couture, elle touche donc aux bijoux sans jamais penser pouvoir en faire un métier. Celle dont les premiers bijoux étaient composés de pâtes alimentaires s’installe donc sur les bancs de l’école. Elle y obtiendra un DEC en mai 2010 après trois années d’études. Ça y est, elle a trouvé sa voie et sait maintenant quelle direction prendre! Elle entre alors en formation de lancement d’entreprise et de vente du Service d’Aide aux Jeunes Entreprises (SAJE) de Montréal. Cette formation lui donne les outils nécessaires afin de « monter une entreprise viable à long terme ». De plus, elle obtient une subvention de Soutien aux Travailleurs Autonomes (STA) afin de concrétiser son projet. Lidia était faite pour créer son entreprise car si elle aime la création, elle aime aussi « porter tous les chapeaux : du démarchage à la comptabilité ».

Et aujourd’hui?

Depuis, Lidia n’arrête plus! Elle crée ses collections, fait des démarches dans différentes boutiques, participe au Salon des métiers 2011 ainsi qu’à des ateliers de création et met en place des « party de bijoux ». Ces derniers sont des rencontres calquées sur le modèle des soirées Tupperware où l’hôte reçoit Lidia, son associée et leurs bijoux afin de proposer ces derniers à ses amies invitées. Tout le monde est gagnant grâce à des cadeaux, des rabais et même la possibilité de réparer d’anciens bijoux! Lidia mise sur ces soirées pour se faire connaître et créer un contact direct avec les clientes mais aussi pour prendre le pouls : « C’est important de les écouter, elles nous donnent du feedback ». Les bijoux de Lidia sont aussi vendus de façon plus conventionnelle dans la boutique Les Coureurs de Jupons à Montréal. Malgré toutes ces activités, la joaillière ne perd pas le nord et n’oublie pas l’essentiel : la création! Elle participe ainsi à des ateliers de création de Noel Guyomarc’h. Des artistes se regroupent ainsi tous les trois mois pour se fixer un nouveau défi créatif. Cela leur permet de chercher de l’inspiration ailleurs, de trouver d’autres méthodes mais aussi de les sortir de leur « zone de confort ». Une fois par an, leurs œuvres sont exposées à la Galerie Noel Guyomarc’h.

Prix et distinctions

1er Prix du concours portfolio 2011 organisé par le Carrefour Jeunesse Emploi du Plateau, Novembre 2011.
Prix Créativité et Défi technique, Concours des diplômés du Colloque québécois en joaillerie et bijouterie (ex æquo), 2011.

La rencontrer

Si vous voulez rencontrer Lidia Raymond, vous pourrez le faire lors de son vernissage à son nouvel atelier (adresse à la fin de l’article), le 29 février prochain de 18 à 21 heures. Cela vous permettra de faire sa connaissance et d’apprécier ses bijoux, un verre de vin à la main!

Pour voir l’article réalisé par Kalibre sur Artère : www.artere.qc.ca
Pour plus d’informations sur Lidia Raymond ou pour la contacter : www.lidiarjoailliere.com
L’adresse de son atelier : 2065, rue Parthenais
Montréal, QC H2K 3S9

Après plusieurs représentations à Ottawa, au Québec en passant de Sorel à Châteauguay avec un détour par Sainte-Geneviève, Mont-Laurier et Saint-Jean-sur-Richelieu, Les Néos s’arrêtent finalement à Montréal pour vous proposer un menu dont vous disposerez selon vos envies.

Pièces pour emporter ce sont 35 courtes pièces d’une durée de 30 secondes à 4 minutes. On propose au public un menu et, comme au restaurant, c’est à lui de choisir ce dont il se délectera durant la soirée. Chaque membre du public choisit donc trois pièces en ne s’appuyant que sur le titre. Les choix des spectateurs sont cumulés et les six choix préférés correspondent aux trois entrées et aux trois desserts que Les Néos leur servent sur un plateau d’argent. Quand on demande à Sylvestre Caron, membre du Collectif, de définir la pièce, le premier mot qu’il emploie est « dynamique! ». « C’est une course, un sprint. Tout va très vite! Si un univers plaît moins, au pire il ne dure que quatre minutes. Après, on passe à un tout autre univers ».

Il s’agit d’une pièce qui saura aussi séduire ceux qui ne raffolent pas du théâtre. Selon les premières réactions, la pièce, par son aspect interactif, est très stimulante pour le public. Les membres du Collectif s’inspirent de leurs propres émotions à travers ces petites pièces. « On avait peur d’être trop personnels mais finalement, les gens se retrouvent grâce au côté universel des sentiments » nous explique Sylvestre.

Les Néos, qui sont-ils?

Les Néos sont au nombre de sept : Sylvestre Caron, Benoît Drouin-Germain, Catherine Lavoie, Mathieu Lepage, Mathieu Leroux, Gabrielle Néron, Antoine Touchette. Âgés de 28 à 33 ans, ces comédiens se sont rassemblés à la suite de stages donnés par Greg Allen, fondateur du mouvement américain The Neo-Futurists à Chicago. « C’est la méthode qui nous a réunis et non l’amitié en tant que telle à la base » s’étonne Sylvestre Caron.

Le Néo-futurisme consiste à être soi-même avant tout. Ainsi, Sylvestre interprétera toujours Sylvestre afin de pouvoir puiser dans son vécu, ses joies, ses peines, ses doutes et ses réflexions. De plus, il s’agit de ne pas faire abstraction du public mais au contraire de le faire participer pour le rendre actif. Pour cela, Les Néos ont développé une méthode de création assez personnelle. En effet, quand les membres se rencontrent, ils arrivent déjà tous avec une pièce écrite et répétée afin de la présenter aux autres membres du Collectif. Une fois que toutes les présentations ont eu lieu, ils passent au vote grâce à un code de couleur. Si une pièce se voit attribuer un carton vert, c’est que la majorité des comédiens pensent qu’elle est prête et qu’il n’y a rien à changer. Si un jaune apparaît, la pièce doit être retravaillée et tous Les Néos mettront la main à la pâte. Par contre, si la pièce écope d’un carton rouge, elle est à refaire dans sa totalité ou presque.

Tous les ingrédients sont réunis pour que vous passiez une très bonne soirée en compagnie des Néos, alors rendez-vous à La Petite Licorne les 6, 7 ou 8 février à 19 heures.

Si vous désirez obtenir plus d’informations sur le Collectif Les Néos : lesneos.wordpress.com
Pour connaître la programmation du Théâtre La Licorne : theatrelalicorne.com

L’idée du décor sonore pour patinoire est née dans l’esprit d’Ariane Plante et de Mélanie Bédard, deux bonnes amies qui travaillent dans le domaine des arts depuis quelques années. Afin de produire une œuvre d’envergure, elles ont donc contacté quatre autres artistes de la province, habiles dans le traitement et le montage de sons de toutes sortes. L’objectif : offrir un paysage sonore aux sportifs de la saison froide. C’est ainsi que tour à tour, Ariane Plante, Mélanie Bédard, Alexis Bellavance, Pierre-Olivier Fréchet-Martin, Fanny Giguère et Myriam Lambert offrent des moments de musique expérimentale où parfois il est impossible de discerner les bruits ambiants du montage sonore.

Selon Ariane Plante, les patineurs doivent s’attendre à découvrir de nouveaux aspects de la musique. Il y a un souci d’approche des sons par leur qualité et leur personnalité. Les bruits choisis représentent tous à leur manière le moment présent, ils forment une ambiance propice à l’hiver qui devrait inspirer toute la famille, des plus petits aux plus âgés.

De plus, la patinoire de la Pointe-aux-Lièvres n’est pas le fruit du hasard, elle offre une vue magnifique sur la haute-ville de Québec. Pour les gens plus frileux, c’est une occasion inespérée de modifier leur rapport avec l’hiver. En plus d’être diffusée à Québec, l’œuvre du collectif sera également jouée à Rimouski sur le sentier glacé bordant le fleuve St-Laurent. Il est même possible de télécharger via internet les pièces musicales afin de mettre de l’ambiance quand bon nous semble. Entre-temps, en voici deux extraits :

Il est aussi possible d’écouter l’œuvre du collectif du lundi au vendredi à 19h, lorsque la haute-ville illumine le décor ainsi que le samedi et dimanche à 14h, cela à tous les jours du 20 janvier au 19 février 2012.

Pour télécharger Klondike et déambuler où vous voulez quand vous voulez : soundcloud.com/klondike2012
Comment s’y rendre :  societerivierestcharles.qc.ca/Pal.html
Pour découvrir toute la programmation du Mois Multi : mmrectoverso.org/fr/mois-multi

C’est à l’âge de 23 ans qu’il décide donc de se « lancer » dans une formation artistique à L’École de danse contemporaine (LADMMI) d’où il ressortira, diplôme en poche, en 2005.

Quand il parle de sa pratique de la danse, il évoque la joie qu’elle lui procure en lui permettant de « s’investir totalement dans le moment présent » et dans son aspect éphémère.


Danser après le diplôme

Un an après avoir obtenu son diplôme, Pierre-Marc est engagé par la compagnie montréalaise Le Carré des Lombes. Il a ainsi dansé dans Play It again! et collaboré à la création de pièces comme Là où je vis et Dévorer le ciel. Il a également été interprète pour les compagnies Louise Bédard Danse et Fortier Danse-Création.

Danser à Vienne

En 2009, Pierre-Marc reçoit une bourse du Conseil des Arts du Canada qui lui permet d’aller se perfectionner à Vienne durant le prestigieux Festival ImPulsTanz. Il se met alors à l’heure autrichienne durant six semaines pendant lesquelles il rencontre toute la scène contemporaine mondiale. Il y côtoie des danseurs venus du monde entier. C’est ainsi qu’il apprendra le butō, danse japonaise du XXe siècle dont il s’inspire maintenant dans la pratique de son art.
Danser et rire en janvier

Après une série de spectacles à Toronto avec la compagnie Dance Makers dont il était l’invité, le jeune artiste se prépare maintenant à présenter la pièce humoristique Pierre-Marc et ses angèles… les derniers bleus au Théâtre Lachapelle du 25 au 28 janvier 2012. Il s’agit de la première pièce du Collectif C’est juste lundi qui est composé de quatre amis dont Pierre-Marc fait partie. La pièce est dirigée par Emmanuelle Bourassa-Beaudoin et Pierre-Marc y dansera aux côtés de Karina Champoux et Hinda Essadiqi. « L’idée est née au coin d’une table de cuisine et très vite ça a pris des proportions auxquelles on ne s’attendait pas » nous raconte-t-il. À l’époque, tous les membres du collectif interprétaient des pièces assez dramatiques. Ils ont donc ressenti un besoin commun de légèreté. Il s’agit d’une « pièce qui parle principalement de culte aux héros de notre enfance ». Pierre-Marc la décrit comme étant une pièce « colorée » jouant sur « le fil du dramatique ». Les moments humoristiques sont donc soulignés et contrebalancés par des moments de vulnérabilité « où l’on découvre un peu plus sur chacun ».

Danser… dans l’avenir

Pierre-Marc Ouellette va également participer aux prochains projets du Carré des Lombes, notamment lors de leur tournée au Québec. Gardez l’œil ouvert!

Pour plus d’informations sur la pièce Pierre-Marc et ses angèles… les derniers bleus : www.lachapelle.org
Pour voir l’article intégral réalisé par Kalibre sur Artère : www.artere.qc.ca

BIANCA | KALIBRE : J’aimerais savoir pour débuter, comment on en vient à devenir conteur?

MAXIME : Il y a plusieurs facteurs qui mènent à ça, je me rappelle quand j’étais plus jeune, j’étais ici à l’école (…) et qu’après les cours, à la garderie les jeunes étaient tannants, les éducatrices me prenaient, m’assoyaient sur une chaise puis elles me disaient « conte »! Les jeunes venaient s’asseoir puis ils m’écoutaient. Je leur disais n’importe quoi dans ce temps là, je ne connaissais pas d’histoire. Faut croire qu’ils trouvaient ça drôle parce qu’ils restaient assis! C’est un paquet de facteurs, je suis quelqu’un qui a une grande gueule, c’est sûr que d’avoir la parlure en bouche ça aide un peu.

Écrivez-vous vos propres histoires?

Je me base sur des choses que mon père m’a contées, que mon grand-père m’a contées, sur des bouts de « tounes », sur des affaires totalement pas rapports qui me viennent comme ça. Des inscriptions sur des boîtes de céréales par exemple. En général, ce sont surtout des petites choses qui allument une flammèche intérieure puis l’histoire part comme ça et se développe d’elle-même. À un moment donné, tu veux t’arrêter puis tu n’es plus capable. Des fois je veux dormir un peu mais ça part pareil.

Comment le public québécois reçoit-il le conte en général?

Ça dépend du type de public, il y a des gens qui voient le conte comme une forme d’humour, il y a aussi des gens qui s’intéressent un peu plus à l’histoire qui voient le conte comme le folklore. La perception populaire envers les conteurs est peut-être un petit peu négative par rapport à ce qui se fait actuellement. Quand les gens entendent le mot conteur, ils voient tout de suite un gars en chemise carreautée qui va te conter une histoire de bûcherons dans une cabane à sucre, ce qui n’est pas du tout ça. Personnellement j’essaie de ne pas m’accoler cette étiquette là, traditionnelle. Je joue beaucoup avec les mots, j’essaie de donner une image avec ces mots là et non de donner une image en mettant une chemise carreautée. Tranquillement pas vite, les gens s’ouvrent à la renaissance du conte, notamment avec Fred Pellerin qui a cassé beaucoup de préjugés avec les siens.

Les gens doivent s’attendre à quoi à propos de votre spectacle?

Les gens peuvent s’attendre à un bombardement verbal… incongru. Il y a beaucoup de mots que les gens vont entendre pour la première fois de leur vie. Je suis un conteur qui y va beaucoup avec les métaphores. J’adore ça. Je suis un conteur extrêmement anachronique, on va mélanger le passé et le présent. Les gens peuvent s’attendre à une mosaïque temporelle, de mots, de lieux… Ils peuvent aussi s’attendre à voir Stoneham sous une facette qu’ils ne voient pas. Les gens connaissent Stoneham à cause du centre de ski, à cause de la 175 où tu as 30 personnes qui se « pètent la gueule » à chaque année à cause d’un orignal. Je me fais un plaisir, même un honneur de montrer que Stoneham a un côté underground. J’essaye de leur « pitcher » du rêve un peu comme un peintre qui garoche de la peinture sur sa toile, moi je leur « pitche » du rêve en pleine face. J’essaye aussi de créer un doute, des fois je dis des choses, j’essaye d’être convaincant le plus possible. À la fin il y a des gens qui me demandent : « L’université de Stoneham, c’est tu vrai que ça existait? ». Quand le doute s’installe comme ça, que la frontière entre le réel et l’imaginaire est vraiment en train de lâcher, ma job est faite. C’est ma récompense.

Quels sont vos projets à venir?

J’ai l’intention de mettre du conte au théâtre. Mon spectacle du mois de novembre était un test pour le gros show qui va avoir lieu l’année prochaine. J’ai l’intention de circonscrire la frontière entre le théâtre et le conte, encore plus profondément. Ça demande beaucoup de temps, ça demande beaucoup de préparation, mais ça pourrait être intéressant.

KALIBRE : Les gens de Trois-Rivières auront la chance de voir Maxime au Concours de la Meilleure Menterie, le 20 janvier prochain à 19h, à la Maison de cafés Le Torréfacteur, 1465, rue Notre-Dame Centre. Un jeune artiste très prometteur à surveiller!

Pour rester à l’affût des prochaines dates de spectacle :
www.maximeplamondon.com

Lors de son cursus aux Beaux-Arts de Paris qui a duré pas moins de six ans, Jérôme a profité de chaque occasion qu’il a eue d’aller pratiquer son art dans d’autres pays et de le confronter à la culture locale. Il a ainsi obtenu plusieurs bourses qui lui ont permis d’aller se former à New York, à Barcelone ou encore à Berlin. Durant cette période, il a appréhendé plusieurs matériaux et formes d’art. Il vogue ainsi de la sculpture à la photographie, en passant par le dessin, la vidéo et la confection d’objets artistiques. Il est établi depuis maintenant cinq ans à Montréal et ne perd aucune opportunité de faire connaître son art à travers le Canada. Il a ainsi participé à la Nuit Blanche de Toronto, a exposé à Ottawa, à Québec et bien sûr à Montréal. L’année dernière, il a d’ailleurs pu exposer au musée Montréal, Arts Interculturels (MAI) pour son œuvre Insula : Réflexions dans laquelle ses personnages fabriqués de collants et de feutre ont plongé le spectateur dans un autre univers. À ce sujet, Jérôme explique son attrait pour le collant par le fait qu’il soit le textile le plus proche du corps, comme « une seconde peau ».

Où admirer son travail

L’œuvre de Jérôme est en ce moment exposée à Québec et à Laval. Son travail est ainsi présenté lors de l’exposition Peut mieux faire à Québec, à l’Oeil de Poisson jusqu’au 18 décembre. Il s’agit d’une exposition réunissant 65 artistes et créateurs sur un même médium, un symbole au Canada : le fameux cahier Canada Hilroy. Le titre de cette exposition fait directement référence au commentaire de l’enseignant sur le bulletin de notes mais aussi à la quête de valeurs inatteignables comme la perfection. Ces artistes ont eu, comme seule condition, de s’approprier ce cahier et de s’exprimer à travers lui. Jérôme en a ainsi fait quelque chose de très personnel, de très narratif où il s’exprime sur les sujets de l’identité et de la race.

À Laval, il expose parmi d’autres artistes sur le thème de la bestialité dans J’ai vu le renard, le loup, le lièvre. Une cinquantaine de dessins seront ainsi exposés du 4 décembre au 12 février à la salle Alfred-Pellan de la Maison des arts de Laval.

Hiver 2012 : une saison chargée

Une chose est certaine : en hiver, Jérôme Havre n’hibernera pas! Il commencera tout d’abord par une exposition personnelle à la Galerie Donald Browne de Montréal du 7 janvier au 11 février 2012. Il s’agit d’une installation immersive dont le but est de « créer un espace qui a besoin d’appeler tous les sens ». Puis du 19 mars au 13 avril, aura lieu une autre exposition personnelle, Le couvent des oiseaux, qui sera un questionnement sur la colonisation.

Visitez le site internet de Jérôme :
www.foreignbodies.org/jeromehavre/index.html

Pour plus d’informations sur l’exposition Peut mieux faire :
www.oeildepoisson.com

Pour voir l’article intégral réalisé par Kalibre sur Artère :
www.artere.qc.ca/fr/repertoire-des-artistes/artiste-du-mois.php?idArtisteMois=67

En plus de mettre la table au goût du jour, les moulins sont fabriqués à la main dans un atelier québécois et sont des plus durables, ce qui flatte évidemment ma fibre écolo! L’association entre Harricana et Tremblay Moulins allait de soi en raison du partage de ces mêmes préoccupations éthiques et de l’envie de mettre en commun nos expériences entrepreneuriales. C’était également une opportunité pour Harricana d’élargir sa gamme maison : les moulins s’ajoutent aux coussins, peluches et jetées déjà offerts à l’atelier-boutique. Je suis bien fière de la collection de moulins créée par nos deux entreprises, qui est des plus réussies. Notre collection propose des produits design qui allient rainures du bois et fourrure recyclée. Les collaborations entre créateurs génèrent bien souvent des collections éclatantes et méritent qu’on s’y attarde!

KALIBRE :

Sylvain Tremblay nous présente les différentes étapes de fabrication de ses moulins à poivre et à sel. Très instructif!!!

Pour voir les remarquables outils de cuisine de ce designer-ébéniste, visitez le site de Tremblay Moulins www.peppermilltremblay.com. De splendides idées-cadeaux, pour les fêtes et toutes les occasions de l’année!

Rendez-vous au kiosque de Sylvain Tremblay (# 918) au Salon des métiers d’art du Québec, du 2 au 22 décembre prochain, à la Place Bonaventure de Montréal. www.metiers-d-art.qc.ca

Et joignez-vous à une belle cause en participant à la soirée de levée de fonds annuelle du DDM (Dispensaire Diététique de Montréal) à la boutique Harricana de Montréal le mercredi 7 décembre 2011. Renseignements : 514 287-6517 poste 201 ou par courriel info@harricana.qc.ca

Boutique en ligne d’Harricana par Mariouche : www.harricana.qc.ca